Jeff Ballard @ stephan's basement a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland.

Stephan’s Basement presents the leading drummers of our time, each performing a short, but profound solo in Stephan Diethelm’s rehearsal room in Muri, Switzerland. The podcasts, as work in progress, will create an expanding archive of modern drumming in all its fascinating diversity.

Watch and listen! live recorded 7. March 2022 sound - Simon Huber gimbal - Samuel Bitz color grading - Christian Kaufmann editing & concept - Stephan Diethelm with the support of the Josef Müller Stiftung Bundesamt für Kultur Kanton Aargau Ernst Göhner Stiftung.

Jeff Ballard's way of playing the drums could be called semantic drumming. Simply put: He tells stories with his playing. He weaves carpets in which patterns appear, in which there are breaks, in which one semiotic system merges seamlessly into the next, as it were. Colors appear and disappear, on the canvas of the infallible beat he orbits around. Seen in this light, Jeff is the ideal first soloist for Stephan's basement. For he is much more than an sideman who lays the foundation for the music of the others. His solo performance here shows that perfectly: he is not only a musical drummer, he is a storyteller on his instrument. In this way he stands for the emancipation of the drums from the role as a mere part of the rhythm section. And in his playing you can hear echoes of many other drummers cut from the same “musical” cloth. Above all, Max Roach: perhaps the most intellectual of the bop drummers, he has always played "rhythms upon rhythms". What does that mean? Polyrhythms first, but also a kind of meta-drumming, that is, drumming that comments on drumming of the past and present. A historical commentary and at the same time gripping music – simply semantic drumming. In fact, if Max Roach's art has lasted long enough to resound in today's drummers, just as the pioneers, Panama Francis or Buddy Rich, echo in his (Roach), then the same can be expected from Jeff Ballard. Many years from now, drummers will still refer to him. This recording bears striking testimony to that as well.


Jeff Ballards Art, Schlagzeug zu spielen, könnte man semantisch nennen: semantic drumming. Einfach gesagt: Er erzählt mit seinem Spiel Geschichten. Er knüpft Teppiche, in denen Muster auftauchen, in denen es Brüche gibt, in denen ein Zeichensystem gleichsam nahtlos ins nächste übergeht. Farben erscheinen und verschwinden, und durch alles führt untrüglich der Beat, den er umspielt. So gesehen ist Jeff der ideale erste Solist für stephan’s basement. Denn er ist viel mehr als ein Begleiter, der die Grundlage für die Musik der ande­ren legt. Das zeigt sein Solo hier perfekt: Er ist nicht nur ein musikalischer Schlagzeuger, er erzählt Geschichten, die für sich stehen können. Damit steht er für die Emanzipation des Schlagzeugs von der Begleiterrolle. Und in seinem Spiel lassen sich Echos auf viele andere Drummer dieses ›Schlags‹ hören. Max Roach allen voran. Dieser vielleicht intellektuellste der Bop-Drummer hat immer auch »Rhthmen über Rhythmen« gespielt. Was heisst das? Polyrhy­thmen zuerst, aber eben auch eine Art Meta-Schlagzeug, drumming also, das kommentiert, was es an drumming schon gibt. Ein historischer Kommentar und zugleich packende Musik – semantic drumming eben. Und wenn Max Roachs Kunst so lange weiterwirkt, dass er auch in heutigen Schlagzeugern zu hören ist, so wie in seinem Spiel die Pioniere, Panama Francis oder Buddy Rich, dann ist das selbe von Jeff Ballard zu erwarten. Noch in vielen Jahren werden sich Schlagzeuger:innen auf ihn beziehen. Auch davon legt dieser Mitschnitt beredtes Zeugnis ab.

Text: Michel Mettler

Nate Wood @ stephan's basement - PART 3 a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland.

Stephan’s Basement presents the leading drummers of our time, each performing a short, but profound solo in Stephan Diethelm’s rehearsal room in Muri, Switzerland. The podcasts, as work in progress, will create an expanding archive of modern drumming in all its fascinating diversity.

Watch and listen! live recorded 13. August 2022 sound - Christian Kaufmann & Simon Huber gimbal - Samuel Bitz color grading - Christian Kaufmann editing & concept - Stephan Diethelm with the support of the Josef Müller Stiftung Bundesamt für Kultur Kanton Aargau Ernst Göhner Stiftung.

Nate Wood: Variatio delectat! A special feature of the percussion is without question that it consists of several instruments at the same time. The player treats them as a whole. This fact is of particular importance for Nate Wood, as he is renowned for his solo performances, where he sings and plays the drums, the keyboards and the bass at the same time as a one-man-band. His solos for stephan's basement showcase qualities that discreetly refer to this all-in-one routine. The arsenal of instruments he plays here sounds as if he had inserted each sound body individually into the groove. In this way, he succeeds in conducting sound research in the midst of highly complex patterns. With his filigree playing, he walks in the footsteps of a drum style that comes from Roy Haynes and Billy Higgins. These two drum icons may not be direct or apparent influences on his music, but they have effectively demonstrated what it means to maintain both timekeeping and subtle shading amidst driving rhythms. This attention to detail distinguishes Nate Wood's style; still his music never disintegrates into individual parts. He allows a percussive chorus to resound and provides accurate voice leading with great clarity. His attention to detail is evident in the way he often plays simple basic patterns, then varies them with what I like to call 'in-between rhythms': microstructures that emerge inside a groove. While they would generally be called fill-ins, in Nate Wood's differentiated rhythmic world they are actual intarsias, finely chiseled and full of beauty. An important musical principle is here presented in an improvisatory way: variation. So much freedom lies in merely varying patterns - what instrument could show this better than the drum kit, which stands on so many legs at the same time?


Nate Wood: Variatio delectat! Eine Besonderheit des Schlagzeugs ist ohne Frage, dass es aus mehreren Instrumenten zu­gleich besteht. Der Spieler behandelt sie als ein Ganzes. Dieser Umstand ist bei Nate Wood von besonderer Bedeutung, denn man kennt ihn von seinen Solo-Auftritten her, wo er als One-man-Band zugleich singt und Schlagzeug, Keyboards und Bass spielt. Seine Soli für stephan’s basement zeigen Qualitäten, die diskret auf diese Spielpraxis verweisen. Denn das Arsenal an Instrumenten, das er hier bespielt, ertönt auf eine Weise, als hätte er jeden Klang­körper einzeln in den Groove eingefügt. So gelingt es ihm, inmitten hochkomplexer Muster Klangforschung zu betreiben. Mit seinem filigranen Spiel wandelt er auf den Spuren einer Schlagzeug-Stilistik, die von Roy Haynes und Billy Higgins herkommt. Diese beiden Drum-Ikonen mögen keine direkten, hörbaren Einflüsse seiner Musik sein, doch sie haben exempla­risch vorgeführt, was es heisst, inmitten treibender Rhythmen zugleich Timekeeping und die subtile Schattierung zu pflegen. Diese Hinwendung zum Detail zeichnet Nate Woods Stil aus, ohne dass dabei seine Musik in Einzelteile zerfiele. Er lässt einen perkussiven Chor erklingen und sorgt mit viel Übersicht für die akkurate Stimmführung. Sein Gespür für Einzelheiten zeigt sich daran, dass er oft simple Grundpatterns spielt, um sie dann mit etwas zu variieren, das ich ‹Zwischenrhythmen› nennen möchte: Mikrostrukturen, die sich im Inneren eines Grooves öffnen. Im Grunde würde man es eher fill ins nennen, doch in Nate Woods differenzierter rhythmischer Welt sind es eigentliche Intarsien, fein ziseliert und voller Schönheit. So wird ein wichtiges musikalisches Prinzip im­provisatorisch vorgeführt: die Variation. Wie viel Freiheit darin liegt, Muster abzuwandeln – welches Instrument könnte dies besser zeigen als das Schlagzeug, das auf so vielen Beinen gleichzeitig steht?

Text von Michel Mettler
Translated by Michel Herzog

Eric Harland @ stephan's basement - PART 1 - 4
a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland

live recorded 21. November 2022 drums - Eric Harland ::: sound - Simon Huber ::: gimbal - Lino Hofstetter & Jeremy Erhard ::: editing & concept - Stephan Diethelm

The drum total

Time and again, drummers have been divided into two opposing camps: Here the 'powerhouses', beat-oriented and often polyrhythmic, the Tony Williamses and Elvin Joneses of the drive-crazy world; there the 'sound magicians', meticulous and often playful, the Billy Higginses and Tony Oxleys of the sound-tinker faction.
If you listen to Eric Harland's solos for stephan's basement, you will find the perfect synthesis of these two schools of playing. At first, it's inspiring to hear how confidently he makes the new equipment his own piece by piece. One moment you think you can hear the band that Harland is driving with his grooves, the next you follow his sound magic down to the filigree detail. And what’s more: you can't separate one from the other. His grooves are so contagious because every sound is precisely carved out, and the sounds seem so gripping because they are perfectly woven into a propulsive web. Eric Harland thus proves to be the prototype of modern drumming: he combines power, imagination, awareness of form and sound sensitivity. He drives us before him and yet lets us linger with his tonal subtleties. It combines the propulsive energy of innovation with the relaxed presence of historical consciousness. Rarely has so much vision and circumspection been heard in a drum solo.

Die Schlagzeugtotale

Immer wieder hat man Schlagzeugerinnen und Schlagzeuger in zwei gegensätzliche Lager eingeteilt: Hier die ›Powerhouses‹, beat-orien­tiert und oft polyrhythmisch, die Tony Williams’ und Elvin Jones’ der drive-verrückten Welt, dort die ›Klangmagier‹, detailverliebt und oft verspielt, die Billy Higgins’ und Tony Oxleys aus der Soundtüftler­fraktion.
Wer sich Eric Harlands Solos für stephan’s basement anhört, findet die perfekte Synthese dieser beiden Spielschulen. Zunächst ist es be­geisternd zu hören, wie souverän er sich das neue Equipment by do­ing zu eigen macht. Bald meint man die Band zu hören, die Harland mit seinen Grooves vor sich hertreibt, bald folgt man seiner Klang­zauberei bis ins filigrane Detail. Und vor allem: Man kann eines nicht vom andern trennen. Seine Grooves sind so ansteckend, weil jeder Klang präzis herausgearbeitet ist, und die Klänge wirken so packend, weil sie perfekt in ein vorwärtstreibendes Geflecht eingewoben sind. Damit erweist sich Eric Harland als Prototyp des modern drumming: Er vereint Kraft, Imagination, Formbewusstsein und (Klang-)Sensibi­lität. Er treibt uns vor sich her und lässt uns mit seinen klanglichen Subtilitäten doch verweilen. Er verbindet die vorwärtsdrängende Energie der Innovation mit der entspannten Präsenz des historischen Bewusstseins. Noch selten war so viel Über- und Umsicht in einem Drumsolo zu hören.
 

Text von Michel Mettler
Translated by Michel Herzog

Allison Miller @ stephan's basement
a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland

live recorded 22. Januar 2023 drums - Allison Miller ::: sound - Simon Huber ::: gimbal - Samuel Bitz  ::: Elisa Scheidegger & Jeremy Erhard ::: editing & concept - Stephan Diethelm 

The imaginary band

When the camera shows the drums from above, it becomes clear: the arsenal is immense. A first strategy to not get lost in it is called limitation. Thus, Allison Miller approaches the diversity of the sound bodies through precisely this means: sound. She patiently makes the percussion sound before developing more complex patterns. In doing so, she uses catchy motifs that the ear can orient itself to, and creates a dialectical space through contrasting effects. Here, dynamics call the shots: dense/sparse, light/dark, complex/simple.... Singing Drums was the name of a 1984 record by Swiss drummer Pierre Favre, and here too the title says it all, because the skins under Allison Miller's sticks actually sing. Her playing on the toms is at first reminiscent of Ed Blackwell, the great drummer, and also of African rhythm dialects, which often have something amazingly vocal about them. As Miller gradually moves into driving grooves, that vocal quality remains. We hear 'call and response' as the figures of the two hands comment on each other. Every now and then I think I can hear the imaginary band that Miller is driving before her. Then she breaks out into soloistic episodes. Here the many contexts become audible on which the vocabulary of this musician is trained. Drumming in combos is always a borderline walk between understatement and those crucial accents that inspire soloists to change their well-rehearsed path. In this, the drums are often the guiding force. It is no coincidence that Miles Davis called his musical explorations Directions in Music for a while. His drummer Tony Williams was famous for 'conducting' from the drums - Miles sought his impulses. Decades later, this effect can also be experienced here, where the soloists are not missing, because Allison Miller 'plays' them in her solo, as it were. 

Die gedachte Band 

Wenn die Kamera das Schlagzeug von oben zeigt, wird deutlich: das Arsenal ist immens. Eine erste Strategie, sich darin nicht zu verlieren, heisst Beschränkung. So tastet sich Allison Miller an die Vielfalt der Klangkörper durch eben dieses Mittel heran: den Klang. Geduldig bringt sie das Schlagzeug zum Klingen, bevor sie komplexere Muster entwickelt. Dabei nutzt sie griffige Motive, an denen das Ohr sich orientieren kann, und schafft durch Kontrastwirkungen einen dialektischen Raum. Hier hat die Dynamik das Sagen: dicht/sparsam, hell/dunkel, komplex/schlicht… Singing Drums hiess eine Platte des Schweizer Schlagzeugers Pierre Favre aus dem Jahr 1984. Der Titel ist auch hier Programm, denn tatsächlich singen die Felle unter Allison Millers Sticks. Ihr Spiel auf den Toms erinnert zunächst an Ed Blackwell, den grossen Trommler, ferner an afrikanische Rhythmusdialekte, die oft etwas verblüffend Vokales haben. Wenn Miller allmählich in treibende Grooves einsteigt, bleibt diese vokale Qualität erhalten. Wir hören ›Call and Response‹, so wie die Figuren der beiden Hände sich kommentieren. Dann und wann meine ich die imaginäre Band mitzuhören, die Miller vor sich hertreibt. Dann bricht sie in solistische Episoden aus. Hier werden die vielen Kontexte hörbar, an denen das Vokabular dieser Musikerin geschult ist. Schlagzeugspiel in Combos ist stets ein Grenzgang zwischen Understatement und jenen entscheidenden Akzenten, welche die Solisten inspirieren, ihren eingespielten Pfad zu wechseln. Dabei ist das Schlagzeug oft die leitende Instanz. Nicht von ungefähr nannte Miles Davis seine musikalischen Erkundungen eine Weile Directions in Music. Sein Drummer Tony Williams war berühmt dafür, vom Schlagzeug her zu ›dirigieren‹ – Miles hat seine Impulse gesucht. Zu erleben ist dieser Effekt Jahrzehnte später auch hier, wo die Solisten nicht fehlen, weil Allison Miller sie in ihrem Solo gleichsam ›mitspielt‹. 

Text von Michel Mettler
Translated with www.DeepL.com/Translator (free version)

Amir Bresler @ stephan's basement
a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland

live recorded 6. March 2023 drums - Amir Bresler ::: https://meinlcymbals.com/en/artists/amir-bresler-a11886.html sound - Simon Huber gimbal - Samuel Bitz & Elisa Scheidegger editing & concept - Stephan Diethelm


Maths versus groove

A famous experiment sets humans and computers the task of packing a backpack with differently sized boxes as efficiently as possible. To this day, humans are said to perform better in this task. Humans are assumed to create a mental image instead of having to calculate all the combinations, as the algorithm does. Whoever speaks of combinatorics touches the core of modern drumming. Designed for polyrhythm, it is meant to superimpose patterns without merely performing virtuoso permutations. For every basic beat, there is a potentially infinite number of extensions, fill-ins and embellishments. But which one makes sense musically? – This is a question of style and intuition. Over a first pulse, Amir Bresler gradually seems to 'propose' various possible superimpositions always related to the chosen soundscape. These intros sound like didactic prefaces to the serious business of polyrhythmic math he then gets down to. From each groove developed in this way, the musician returns to playing with the individual “registers” of the drum set. This inside-out is highly varied and kaleidoscopically fans out a wide array of sounds, up to complexities that the untrained brain can only understand intuitively. Yet, Bresler keeps the overview. For all the complexity of his patterns, the drum set always sounds like one instrument - mathematics versus feeling is at play here again. One thing is certain: in terms of aesthetics, Bresler would also win against a Deep Blue of drumming – even though the world champion Garry Kasparov lost out to the eponymous first tyrannosaurus of chess computers in 1997.


Mathe versus Groove

Ein berühmtes Experiment stellt Mensch und Computer die Aufgabe, einen Rucksack mit verschieden grossen Schachteln möglichst effizient zu packen. Hier soll der Mensch bis heute besser abschneiden. Man vermutet, dass er sich ein Bild der Lage machen kann, statt alle Kombinationen durchrechnen zu müssen, wie der Algorithmus es tut. Wer von Kombinatorik spricht, rührt an den Kern des modernen Schlagzeugspiels. Auf Polyrhythmik ausgelegt, soll es Muster überlagern, ohne bloss virtuose Permutationen vorzuführen. Zu jedem Grundbeat gibt es eine potentiell unendliche Zahl an Erweiterungen, Fill-ins und Verzierungen. Doch welche macht musikalisch Sinn? – Eine Frage von Stil und Intuition. Amir Bresler scheint über einem ersten Puls zunächst verschiedene mögliche Überlagerungen ›vorzuschlagen‹, die stets an die gewählte Klangwelt geknüpft sind. Diese Intros hören sich an wie didaktische Vorreden, bevor es mit der Mathe der Polyrhythmik richtig zur Sache geht. Aus jedem Groove, der sich auf diese Weise entwickelt, kehrt der Musiker wieder zum Spiel mit den einzelnen ›Registern‹ des Drum Set zurück. Dieses Inside-Out ist höchst abwechslungsreich und fächert kaleidoskopisch ein grosses Klangarsenal auf, bis hin zu Komplexitäten, die das ungeschulte Hirn nur noch intuitiv versteht. Doch Bresler behält die Übersicht. Bei aller Vielschichtigkeit seiner Patterns klingt das Drum Set doch stets wie ein Instrument – Mathematik versus Empfindung also auch hier. Eines steht fest: In Sachen Ästhetik würde Bresler auch gegen einen Deep Blue des Drumming gewinnen – obwohl der Weltmeister Garry Kasparow gegen den gleichnamigen ersten Tyrannosaurus der Schachcomputer 1997 den Kürzeren zog.


Text von Michel Mettler
Translated by Michel Herzog

Ofri Nehemya @ stephan's basement a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland

Stephan’s Basement presents the leading drummers of our time, each performing a short, but profound solo in Stephan Diethelm’s rehearsal room in Muri, Switzerland. The podcasts, as work in progress, will create an expanding archive of modern drumming in all its fascinating diversity. 

Watch and listen! live recorded 12. September 2023
drums - Ofri Nehemya ::: https://www.ofrinehemyamusic.com
sound - Simon Huber ::: assistant - Oliver Meyer
gimbal - Samuel Bitz & Gadi Lehavi
editing & concept - Stephan Diethelm

Ofri Nehemya: An instrument as a one man band 

Ofri Nehemya is what you call an explosive drummer: live, his dynamic spectrum ranges from whisper-fine to heavy artillery. In this clip, too, you can witness/experience/see how he eases/sneaks into his solo - how the bassdrum then create a kind of counterpoint to the treble-heavy work of the brushes, only to enter, after a change of sticks, into conversation with the toms. There the orchestral means/potential/nature/possibilities of the drum set are explored almost exemplarily, and the extras of the basement instrument are shown to their best advantage/showcased masterfully/are featured prominently/are advertised nicely without being just a sound gimmick./sound gimmicks. Ofri Nehemya doesn't just play drums, he makes music with percussive sound bodies and thus becomes a one man band – unlike Nate Wood, though, who plays other instruments while sitting at the drum set. Here the drum set is an orchestra in its own right. Initially, the beat is not the primary focus - rather it is part of the overall sound, much like in a band. Achieving this is already high art. And indeed, the fact that the one-man orchestra can also get loud sometimes becomes apparent when a tricky/complex (new) backbeat gradually begins to crystalize/surface/emerge/perpetuate itself/take hold. Just as a tutti in a symphony orchestra gets under your skin, all the instruments played by Ofri Nehemya single-handedly, so to speak, now sound skillfully/masterfully/ sovereignly orchestrated together, and the "band" begins to soar... 


Ofri Nehemya: Ein Instrument als One man band

Ofri Nehemya ist das, was man einen explosiven Schlagzeuger nennt: Live reicht sein dynamisches Spektrum von flüsterfein bis zur schweren Artillerie. Auch in diesem Clip ist zu erleben, wie er sich in sein Solo reinschleicht – wie dann die Bassdrum eine Art Gegenspur zur höhenlastigen Arbeit der Besen legt, um später, nach einem Schlägerwechsel, mit den Toms ins Gespräch zu kommen. Da werden die orchestralen Mittel des Drum set fast exemplarisch ausgeschöpft, und die Extras des Basement-Instruments kommen optimal zur Geltung, ohne nur ein Klang-Gimmick zu sein. Ofri Nehemya spielt nicht bloss Schlagzeug, er macht mit perkussiven Klang-körpern Musik und wird so zur One man band – anders allerdings als ein Nate Wood, der am Schlagzeug sitzend noch andere Instrumente spielt. Hier ist das Drum set ein Orchester in its own right. Zunächst steht der Beat dabei gar nicht so sehr im Vordergrund – eher ist er Teil des Gesamtsounds, so wie bei einer Band. Dies zu erreichen, ist schon hohe Kunst. Und eben: Dass das One-Man-Orchester auch mal laut werden kann, zeigt sich, als allmählich ein vertrackter Backbeat sich festzusetzen beginnt. So wie ein Tutti im Sinfonieorchester unter die Haut geht, klingen jetzt alle Instrumente, die Ofri Nehemya in Personal¬union bedient, souverän orchestriert zusammen, und die «Band» beginnt zu fliegen…

Text: Michel Mettler
Translation: Michel Herzog

Jeremy Dutton @ stephan's basement a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland 

Stephan’s Basement presents the leading drummers of our time, each performing a short, but profound solo in Stephan Diethelm’s rehearsal room in Muri, Switzerland. The podcasts, as work in progress, will create an expanding archive of modern drumming in all its fascinating diversity. 

Watch and listen! live recorded 23. October 2023
drums - Jeremy Dutton ::: https://www.imjeremydutton.com
sound - Simon Huber
gimbal - Christoph Gebhard & Samuel Bitz
editing & concept - Stephan Diethelm
 

The primal/primitive and the sophisticated/sophistication

Like many other human topologies, drumming is often divided into two categories: Here the “fireworkers”, led by forefathers such as Art Blakey or Elvin Jones, there the dancers, whose ideal is floating/to float away, with leading figures such as Paul Motian or Andrew Cyrille. Just how obsolete such dualisms are is demonstrated by the generation of modern drummers who has been holding the sticks for almost twenty years. One representative of this enlightened both/and is Jeremy Dutton.
The sticks lie loosely in his hands, and yet a great tension emanates from them. They dance on the cymbals as if all the impulses come back from the hammered metal transformed and amplified. As Dutton's patterns become more complex, it is palpable how steeped in history the origins of this instrument are/the depth of this instrument’s origins is palpable, from ancient China and to what is now Turkey.
For all its sophistication, it feels archaic how the modern cymbal sounds now rise and fall like tides. The dance-like and the powerful are united, the rudimentary/elemtary/elemental and the elaborate join hands. The musician makes ingenious use of the variety of sound bodies to punctuate/(sub)divide his playing with bright accents. He allows signposts/waymarks to stand out from complex patterns, allowing us to hear through the polyrhythmic structure. In the process, we can follow/trace how the next pattern emerges from each fading/expiring pattern in a wide-ranging legato. It is as if Dutton finds in the old elements of his playing the components for the new ones - just as in the history of music where one thing arises from the previous, the loud from the quiet, the subtle from the powerful and the primal/primitive again from sophistication.


Das Urtümliche und die Sophistication

Wie manche andere menschliche Topologie wird auch das Schlagzeugspiel gern in zwei Kategorien unterteilt: Hier die Feuerwerker, angeführt von Ahnvätern wie Art Blakey oder Elvin Jones, dort die Tänzer, deren Ideal das Entschweben ist, mit Leitfiguren wie Paul Motian oder Andrew Cyrille. Wie obsolet solche Dualismen sind, zeigt jene Generation des modern Drumming, die seit bald zwanzig Jahren die Sticks in Händen hält. Ein Vertreter dieses aufgeklärten Sowohl-als-auch ist Jeremy Dutton.
Locker liegen die Sticks in seinen Händen, und doch geht eine grosse Spannung von ihnen aus. Sie tanzen auf den Becken, als kämen alle Impulse verwandelt und verstärkt aus dem gehämmerten Blech zu¬rück. Während Duttons Muster komplexer werden, ist mit Händen zu greifen, wie tief die Herkunft dieses Instruments ist, aus dem Alten China und dem Gebiet der heutigen Türkei.
Bei aller Ausgefeiltheit fühlt es sich archaisch an, wie nun die moder¬nen Cymbalklänge gezeitenhaft an- und abschwellen. Das Tänzerische und das Wuchtige sind vereint, das Elementare und das Elaborierte reichen sich die Hand. Dabei nutzt der Musiker raffiniert die Vielfalt der Klangkörper, um mit hellen Akzenten sein Spiel zu unterteilen. Aus komplexen Mustern lässt er Wegmarken herausragen, die uns das polyrhythmische Gefüge durchhören lassen. Dabei ist zu verfol¬gen, wie sich in weitgespanntem Legato aus jedem auslaufenden Pat¬tern das nächste ergibt. Es ist, als finde Dutton in den alten Elemen¬ten seines Spiels die Bestandteile für die neuen – so wie in der Musik¬geschichte eines sich aus dem Vorigen ergibt, das Laute aus dem Lei¬sen, das Subtile aus dem Kraftvollen und das Urtümliche wieder aus der Sophistication.

Text: Michel Mettler
Translation: Michel Herzog

Mark Whitfield Jr @ stephan's basement a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland. 

Stephan’s Basement presents the leading drummers of our time, each performing a short, but profound solo in Stephan Diethelm’s rehearsal room in Muri, Switzerland. The podcasts, as work in progress, will create an expanding archive of modern drumming in all its fascinating diversity.

Watch and listen! live recorded 10. December 2023 - drums - Mark Whitfield Jr ::: sound - Simon Huber ::: gimbal - Rahel Diethelm & Samuel Bitz ::: editing & concept - Stephan Diethelm with the support of the Josef Müller Stiftung, Bundesamt für Kultur, Kanton Aargau, Ernst Göhner Stiftung 

On the tightrope of time or: Three young-at-heart graces Playfulness, wit and joy: these are the forces that drive Mark Whitfield's solo. They can also be seen in his facial expressions. He happily follows the impulses of his hands and shows the lightness that is the result of hard work in music as his most precious asset. Especially without the double bottom of a band, there are always more ways of stumbling, falling and losing the thread than ways of continuing to spin this thread and gaining finesse and richness of form in the process. The play instinct is probably the most primal grace of this trinity, observed early on in children when they turn and twist found objects in order to gain new impressions from them. Animals also follow this instinct when they play with their prey before eating it. In contrast, playfulness is of a more goblin-like nature. The Grimm dictionary describes wit as an intellectual faculty. For the purposes of improvisation, this means: The soloist maintains an overview while gliding, he knows how to arrange the elements of his playing in such a way that they form a coherent whole. Finally, the joy of playing is the delight of the hand in its possibilities. It is written all over Mark Whitfield's face. He shifts back and forth between complex patterns with souplesse and esprit, compressing and stretching time at will and thus exploiting the freedom that the solo space offers him, in contrast to the usual accompanying role. This is a balancing act on the tightrope of time: the listener enjoys the soloist's ideas, the twists and turns and the emergence of new references. Lightness is also required here. Only a virtuoso achieves this by shaking things out of his sleeve and at the same time following how and where they fall. Mark Whitfield demonstrates this in a relaxed manner. If proof were needed that music massages the brain, here it is. 

Auf dem Hochseil der Zeit oder: Drei junggebliebene Grazien Spieltrieb, Spielwitz und Spielfreude: Diese Kräfte treiben Mark Whitfields Solo an. Auch seiner Mimik sind sie anzusehen. Vergnügt folgt er den Impulsen seiner Hände und zeigt dabei als kostbarstes Gut die Leichtigkeit, die in der Musik das Ergebnis schwerer Arbeit ist. Ganz besonders ohne den doppelten Boden einer Band gibt es stets mehr Arten, zu straucheln, abzustürzen und den Faden zu verlieren, als Arten, diesen Faden weiterzuspinnen und dabei an Finesse und Formenreichtum zu gewinnen. Der Spieltrieb ist wohl die urtümlichste Grazie dieser Dreiheit, früh zu beobachten beim Kind, wenn es Fundstücke dreht und wendet, um ihnen neue Eindrücke abzugewinnen. Auch Tiere folgen diesem Trieb, wenn sie mit ihrer Beute spielen, bevor sie sie verzehren. Demgegenüber ist der Spielwitz die koboldhaftere Natur. Das Grimmsche Wörterbuch umschreibt Witz als intellektuelles Vermögen. Für die Belange der Improvisation bedeutet dies: Der Solist wahrt im Gleitflug die Übersicht, er weiss die Elemente seines Spiels so anzuordnen, dass aus ihnen ein fassliches Ganzes entsteht. Die Spielfreude schliesslich ist das Ergötzen der Hand an ihren Möglichkeiten. Sie ist Mark Whitfield ins Gesicht geschrieben. Mit Souplesse und Esprit wechselt er zwischen komplexen Mustern hin und her, staucht und dehnt die Zeit nach Belieben und schöpft so die Freiheiten aus, die der Solo-Raum ihm bietet, im Gegensatz zur üblichen Begleiterrolle. Dabei gelingt ein schwebender Balanceakt auf dem Hochseil der Zeit: Der Hörer erfreut sich mit dem Solisten am Einfall, an der Wendung und am Entstehen neuer Bezüge. Auch hier ist Leichtigkeit gefragt. Nur ein Virtuose erreicht sie, indem er Dinge aus dem Ärmel schüttelt und zugleich verfolgt, wie und wohin sie fallen. Dies führt Mark Whitfield auf lockere Weise vor. Wenn es noch eines Beweises dafür bedürfte, dass Musik die Hirnwindungen massiert, hier wäre er. 

Text von Michel Mettler
Text by Michel Mettler translated by deepl 

 Kush Abadey @ stephan's basement a project by musig im pflegidach, powered by MURIKULTUR, Muri, Switzerland

Watch and listen! live recorded 22. Januar 2024 drums - Kush Abadey sound - Simon Huber gimbal - Christoph Gebhard & Samuel Bitz editing & concept - Stephan Diethelm with the support of the Josef Müller Stiftung Bundesamt für Kultur Kanton Aargau Ernst Göhner Stiftung


The similar but not the same

An explosive motif wanders through the various groups of instruments. I hear the shimmering of the cymbals, the rushing dynamics of the hi-hat, then the bass drum joins in with fine syncopations. Kush Abadey patiently builds a universe of contrasting sound worlds, held together by a motivic core. I can recognize this as a basic figure and then, based on its shape, follow the gradual formation of the idea while playing while the musician explores the instrument. The initial motif is modified into considerably 'altered' forms, not mathematically, but musically - Kush Abadey continually inserts it into new groove contexts. I recognize it more by its energetic signature than by its notable form. As the sound space expands, I feel how everything played is connected internally, how one emerges from the other. And yet I couldn't name what this commonality is. This shows how the human brain can perceive relationships and think in interrelationships. This is reminiscent of face recognition. All are similar, none are the same. Humans form a large family of individuals, resulting from the combinatorics of genes. Like the sea of faces, so is the ocean of sounds: relationships arise from an initial pattern: lines of force, evolutes, meridians... The sound family: In Kush Abadey's hands, a genealogy of the moment, music and playing styles is established. The balance between inner flow and outer form - between impulse and shape, improvisation and composition, between the linear and the circular - can be traced in the 'negotiation'. I experience how surfaces and carpets emerge from initial placements, how inventive spirit flows and my hands follow it effortlessly. I hear a narrative principle: how the many of the story(s) emerge from the one in the beginning.


Das Ähnliche doch nicht Gleiche

Ein explosives Motiv durchwandert die verschiedenen Instrumentengruppen. Ich höre das Flirren der Becken, die aufrauschende Dynamik der Hi-Hat, dann mischt sich mit feinen Synkopen die Bassdrum ein. Geduldig bau Kush Abadey ein Universum gegensätzlichen Klangwelten auf, zusammengehalten von einem motivischen Kern. Diesen kann ich als Grundfigur erkennen, um dann, anhand seiner Form, der allmählichen Verfertigung des Gedankens beim Spie¬len zu folgen, während der Musiker das Instrument erkundet. Das anfängliche Motiv wird in beträchtlich ›alterierte‹ Formen abgewandelt, nicht mathematisch, sondern musikalisch – Kush Abadey fügt es laufend in neue Groovekontexte ein. Ich erkenne es wieder, mehr an seiner energetischen Signatur als an der notierbaren Form. Während der Klangraum sich weitet, spüre ich, wie alles Gespielte innerlich zusammenhängt, wie eines aus dem andern hervorgeht. Und doch könnte ich nicht benennen, was dieses Gemeinsame ist. Hier zeigt sich, wie das menschliche Gehirn Verwandtschaften wahrnehmen und in Wechselbeziehungen denken kann. Dies erinnert an die Erkennung von Gesichtern. Alle sind ähnlich, keines gleich. Die Menschen bilden eine grosse Familie aus Individuen, hervorgegangen aus der Kombinatorik der Gene. Wie das Gesichtermeer, so der Ozean der Klänge: Aus einem anfänglichen Muster entstehen Beziehungen: Kraftlinien, Evoluten, Meridiane… Die Klangfamilie: Unter Kush Abadeys Händen etabliert sich eine Genealogie des Augenblicks, der Musik und der Spielstile. Das Gleichgewicht zwischen innerem Verlauf und äusserer Form – zwischen Impuls und Gestalt, Improvi-sation und Komposition, zwischen dem Linearen und dem Zirkulären – kann bei der ›Aushandlung‹ verfolgt werden. Ich erlebe, wie sich aus Setzungen des Anfangs Flächen und Teppiche ergeben, wie der Erfindergeist weht und die Hände ihm mühelos folgen. Ich höre ein erzählerisches Prinzip: wie aus dem Einen des Anfangs das Viele der Geschichte(n) entsteht.

Text: Michel Mettler
Translated by Google